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domingo, 24 de julio de 2011

Dar la vida o perderla, cosa "De Dioses y Hombres"


Muchas historias verídicas suelen llevarse a la pantalla grande para deleitar, entretener o inspirar a la audiencia; pero hay algunas más que logran pasar del simple entretenimiento al deleite singular que se deriva de cualquier obra maestra.

En este último rubro se encuentra "De Dioses  y Hombres" ("Des Hommes et des Dieux", 2010), una cinta de Xavier Beauvois, la cual ha conseguido un logro que muchas veces es difícil de alcanzar: el aplauso de la crítica y el público por igual.

La cinta está basada en los últimos años de un grupo de hombres, siete monjes cistercienses que vivieron en Tibhirine, Argelia, de 1993 a 1996, inmersos en una comunidad musulmana con la que convivían e incluso a la que atendían pacífica y servicialmente.

Sin embargo, el radicalismo de algunos extremistas pone en riesgo su estadía en ese sitio; el peligro se incrementa aún más cuando trabajadores extranjeros son asesinados por el Grupo Islámico Armado (GIA), lo que desata el pánico en los alrededores.

Cada uno de estos monjes interactúa tanto al interior como al exterior del monasterio, pues tienen funciones claras que desempeñar. Por ejemplo, el hermano Christian (Lambert Wilson), cabeza de los religiosos, al ser su líder ofrecía misa y supervisaba el orden de la comunidad.

Cuando ocurría algún desperfecto, malestar, o simplemente alguien enfermaba, él se mantenía al pendiente del bienestar del grupo. Mientras que el hermano Luc (Michael Lonsdale, quien se echa a la audiencia a la bolsa desde su primera escena), era el responsable de la salud de musulmanes y monjes.

Así, cada uno de estos siete héroes, de estas siete almas entregadas a la caridad, cumplen una función específica para servir a propios y extraños.

Pero cuando su propia vida es la que está en juego, deberán deliberar si permanecen al lado de los hombres, mujeres y niños que han sido su familia durante tanto tiempo, o si seguirán los consejos que llegan desde Francia, que les sugieren regresar a su tierra natal.

El dilema y la deliberación alcanzan su punto climático, cuando cada uno de los personajes, cristianos de carne y hueso, exponen los motivos por los cuales deben permanecer al pie del cañón o partir.

¿Estarán dispuestos a arriesgarse, a ser héroes y ejemplo de fe? ¿Cuál será su decisión final y el precio que pagarán por ella?

"De Dioses y Hombres" es una pieza magistral del séptimo arte que fue reconocida en el Festival de Cannes de 2010 con el Gran Premio del Jurado, segundo lugar de la competencia que sólo está por detrás de la Palma de Oro; pero también recibió el reconocimiento del Jurado Ecuménico por su buen mensaje.

La dirección de Beauvois es sutil y poco a poco nos adentra en la dinámica y los contrastes culturales entre musulmanes y católicos. Es un poema en imágenes que, mediante una perfectamente compuesta fotografía, narra una historia de amor y un fragmento de vida.

A pesar de que son muchos los personajes, todos tienen un momento para conectar con la audiencia y permitir que ésta se identifique con sus pesares, angustias, alegrías y logros.

El director ensambla su obra gracias a sutiles movimientos de cámara que sigilosamente nos revelan las grandes actuaciones de sus protagonistas, las cuales se acentúan gracias a los acercamientos que "desnudan" su trágica situación.

Lamentablemente, mientras que en Europa, la cinta ha sido exhibida en numerosas salas y dado una buena batalla en taquilla, aquí en México ha pasado desapercibida. El filme puede encontrarse en la Cineteca y en uno que otro complejo cinematográfico. Lucha por verla.

Twitter: @mabsalinas

viernes, 7 de enero de 2011

Arjona, ¿cantautor que pierde la inspiración?


Ricardo Arjona lanzó en 2010 su último material discográfico, poseedor de un título sugerente, pero más que eso, metafórico. Teniendo como base las letras de las canciones, podríamos afirmar que “Poquita ropa” hace alusión a una desnudez del alma con la que el cantautor expone sus sentimientos y pensamientos al público.
 
Compuesto por 12 tracks, el material que fue lanzado en agosto del año pasado, es un disco intimista, en el que las canciones quedaron “con poquita ropa”, pues, como se afirma en la página oficial del intérprete “quedaron casi como nacieron”, ya que fueron sometidas a pocos arreglos.
 
De ahí que no sorprende que cuenten con una versión limpia, pulcra, en donde la voz del cantante guatemalteco está desposeída de prácticamente todo acompañamiento, con dos salvedades: la del piano, la guitarra y la ocasional percusión, y el corte “Puente” (Caribe), el cual goza de un ritmo caribeño, muy al estilo de La Habana, a la que hace referencia.
 
Éste, que fue el primer sencillo de la producción, también cuenta con una versión acústica.
 
Este es el 13 disco de estudio de la carrera del cantautor y fue grabado en estudios de Nueva York, Los Ángeles y México, con el menor número de instrumentos posible, lo que dejó que el estilo de Arjona se impusiera a lo largo de cada corte.
 
Y ése es justamente su acierto y su error, pues por un lado, fue una apuesta riesgosa que sorprende al público al salirse del molde que encasilló los últimos trabajos del compositor, pero a fin de cuentas, Arjona sigue siendo Arjona, y lamentablemente no es el mismo de “Historia de un Taxi” o “Realmente no estoy tan solo”.
 
El recorrido de la producción que realizaron en conjunto Arjona, y músicos como Matt Rollins, Lee Levin, Brian Lang y Dan Warner, entre otros, comienza con “Vida”, un corte que nos remonta a la infancia y vida personal del artista. Hecho que sin duda los seguidores agradecerán y con cuyas anécdotas podrían identificarse.
 
“Qué voy a hacer conmigo” es una radiografía acústica de aquello que queda después de una relación amorosa, una de las canciones más destacadas del álbum, en la que se percibe sensibilidad y dolor.
 
En tanto que “Todo estará bien” y “Por tanto amarte”, en las cuales se hace gala de la cuerdas, particularmente del violín, pero también de los instrumentos de viento, hablan del amor desde puntos de vista contradictorios: la presencia y la ausencia.
 
“Marta” es una historia de huellas y cicatrices en la que se narra la vida de una “stripper”, cuyo nombre inspira el título de la canción, y que cuenta con reminiscencias de blues y gospel.
 
Un desliz de country mezclado con trova se hace patente en “Aleluya”, cuya letra deja mucho que desear al pasar de la semi-poesía a un ataque frontal contra el Vaticano, la fidelidad y el verdadero amor, aunque intenta parecer una oda hacia la vida.
 
Mientras que el tema más recurrente de “Poquita Ropa” es la soledad, lo cual queda de manifiesto con “Soledad Enamorada”, corte en el que la melancolía del piano y una voz suplicante y compungida, así como alegorías y símiles dispares componen una canción con tendencias de blues y jazz. 
 
“Escribir una canción”, que también cuenta con el único apoyo del piano, “es un acto irreverente y solitario”, “es ir al cielo y abrir la puerta”, es un susurro en medio de la producción que bien podría pasar desapercibido.
 
El Arjona de “Señora de las cuatro décadas” se repite en “Usted”, pero en “Mi País” comparte el orgullo latino de sus raíces y logra rescatar, en parte, una producción de medio pelo. A pesar de ello, fue bien recibido por el público que lo mantuvo varias semanas entre lo más vendido del año pasado.
 
Twitter: mabsalinas

lunes, 3 de enero de 2011

Las mejores películas de 2010 para Quentin Tarantino

El sitio “The Hollywood Reporter” publicó una lista con las 20 películas que el director Quentin Tarantino consideró las mejores de 2010. ¿Saben cuáles eligió? Es una lista sorprendente.


1. Toy Story 3

2. The Social Network

3. Animal Kingdom

4. I Am Love

5. Tangled

6. True Grit

7. The Town

8. Greenberg

9. Cyrus

10. Enter the Void

11. Kick-Ass

12. Knight and Day

13. Get Him to the Greek

14. The Fighter

15. The King's Speech

16. The Kids Are All Right

17. How to Train Your Dragon

18. Robin Hood

19. Amer

20. Jackass 3-D

Twitter: mabsalinas

domingo, 19 de diciembre de 2010

Eric Clapton viaja al pasado


Fueron cinco los años que Eric Clapton se mantuvo en silencio, pero este 2010 sus acordes y riffs volvieron a rugir, gracias al lanzamiento de su nuevo material: "Clapton", su 19 disco de estudio.

Este álbum se compone de compilaciones y de material inédito; combina sus temas musicales favoritos con dos completamente nuevos, y por si fuera poco, vuelve a sus raíces: el blues, género que lo apasionaba desde que era un estudiante.

Este compositor, guitarrista y cantante, oriundo de Gran Bretaña, a sus 65 años sigue siendo considerado un ícono del rock y tras haber hecho grandes aportaciones al mundo de la música, con joyas como “Tears in Heaven”, ahora decide rendir tributo a otros grandes como él.

Ese es justamente el objetivo de “Clapton”, aunque, en palabras del mismo intérprete: “este álbum no estaba contemplado. De hecho es mejor de lo que se esperaba porque, en alguna medida, sólo dejé que fluyera. Es una colección ecléctica de canciones que no estaban en el mapa, y me gustó tanto porque es una sorpresa para los fans, porque fue una sorpresa para mí también”.

Y es que track a track va entretejiendo esta sorpresa en la que percibimos a un Clapton, como él bien dice, ecléctico, pero también versátil y pleno, que transita entre la melodía del blues, la energía del rock & roll, y la autenticidad del country.

Por si fuera poco deleitarnos con la musicalidad de la guitarra “claptoniana” al hilvanar estos sonidos, también cuenta con las colaboraciones de la cantante Sheryl Crow; el compositor de R&B, Allen Toussaint; el pianista Walt Richmond, el jazzista Wynton Marsalis, el guitarrista y compositor Derek Trucks, el rockero Steve Winwood y el músico de estudio Jim Keltner.

La producción abre con la garra de “Traveling Alone”, que hiciera grande “Lil’ Son” (Little Son) Jackson, la cual es la puerta para un viaje lleno de “feeling”, esencia y la naturalidad que emana de quienes nacieron para entregarse al mundo mediante la música.

“Run Back to Your Side” es el primer sencillo que se desprende de esta orgánica y relajada producción, uno de los cortes con mayor sabor rockero, pero que no pierde el toque de blues y R&B, y que es de la autoría del mismo Clapton.

Dos de los temas más destacados de la recopilación son “Rockin Chair”, que envuelve en una estela de pureza, y “My Very Good Friend The Milkman”, de Fats Waller, la cual revienta en el puente, gracias al tío Clapton-Richmond-Toussaint.

El country levanta la mano en “Hard Times Blues”, sonido que se fusiona con la melancolía del género al que hace referencia su nombre.

Entre las colaboraciones más destacadas se encuentra la realizada con el músico y compositor JJ Cale en “That’s Not Way To Get Along”, que cantaba Robert Wilkins, y “River Runs Deep”, en las cuales realizan un dueto, así como en “Everything Will Be Alright”, siendo las dos últimas composiciones de Cale.

Pero si hay un par de clásicos que destacan entre las joyas que desfilan por el álbum, esos son los temas “How Deep Is The Ocean”, tema que popularizara Frank Sinatra, y “Autumn Leaves”, de Nat King Cole; ambos arreglados y estilizados con la profundidad y ecuanimidad de la voz de Clapton.

“Can’t Hold Out Much Longer”, de Little Walter, transporta al sonido clásico de finales de los 50 y la década de los 60, con una guitarra cargada de pasión y expresionismo. Y la época del rock & roll y del blues prosigue con “Judgement Day”, que conquista con una resplandeciente armónica.

El romanticismo se abre paso con “Diamonds Made From Rain”, corte en el que participa Sheryl Crow. Mientras que en “When Somebody Thinks You’re Wonderful”, un clásico del jazz que cantara Bryan Ferry, Clapton cambia el piano original para inyectarle los riffs de su guitarra eléctrica.

Violines, saxofón, guitarra, piano y armónica son algunos de los instrumentos que se dan cita en “Clapton” durante los casi 60 minutos que dura el disco. Si quieres escuchar una probadita de este álbum, entonces visita la página oficial de este grande entre los grandes, dando clic aquí.

Twitter: mabsalinas