Blog dedicado al cine, la música, la televisión, el teatro y sus personajes; a la magia del espectáculo

miércoles, 25 de diciembre de 2013

Reseña: Camille Claudel 1915


“No pienso demandarlos. No tengo fuerza para ello”, dice una derrotada Camille Claudel (Juliette Binoche) a su médico en una consulta psiquiátrica. La línea forma parte del extenso monólogo en donde la escultora, ex amante de Aguste Rodin, habla sobre el abandono de su familia y quienes, en su opinión, manipularon su encierro.

Es el momento cumbre de la película de Bruno Dumont. Momentos antes Camille había exhumado su frustración al tomar un pedazo de tierra e intentar moldear una escultura, darle vida a la materia prima inerte.

Quien fuera una aclamada escultora en París ahora está reducida a cenizas. “Vive” encerrada en un manicomio, convencida de que quieren envenenarla y de que Rodin está empecinado en su hundimiento. Sus días transcurren mientras atestigua el desequilibrio de sus compañeros y la caridad de sus cuidadores.

Gritos, gemidos e irracionalidad entretejen sus días. “¡Ya no puedo más! Ya no soy una criatura humana”, exclama desesperada. Su única expectativa es la visita de su hermano, el poeta y dramaturgo Paul Claudel (Jean-Luc Vincent).

La dirección de Dumont nos sumerge en la claustrofobia y consternación que siente la protagonista. Su coartada libertad se enfatiza mediante tomas largas, escasos movimientos de cámara, la continua repetición de escenarios y las limitadas acciones de Camille y el resto de los personajes. No hay mucho que hacer en un manicomio.

Tal como suele hacerlo, Dumont retoma su estilo en la puesta. Las imágenes son testimonio de su retrato costumbrista y las tomas abiertas capturan sobrios paisajes (tal como en Fuera de Satán/Hors Satan); en conjunto, plasman su clásico costumbrismo.

El cineasta francés se apoya en un ritmo lento, en el registro de actividades cotidianas para mostrarnos sólo unos días de la vida de Camille, una mujer acosada por sus delirios de grandeza y persecución. En la misma medida, Binoche se yergue con su actuación. En ocasiones mesurada, en otras exasperada y desconfiada siempre se muestra intimista.

Carga con el peso de la película y consigue hacer creíble un fragmento en la existencia de una mujer que no respira más pero cuya historia y talento dejaron impresa una huella en el mundo artístico, en la cultura occidental. Camille Claudel 1915 (para ver el tráiler dar clic en el link) es desgarradora como lo fue su vida.

“No hay peor oficio que el arte. La genialidad tiene un precio. ¡Qué vida! ¡Qué drama! La vocación artística es excesivamente peligrosa. Y muy poca gente es capaz de soportarla”. Y en el caso de su hermana, Paul Claudel sencillamente acertó.


Altamente recomendable.

martes, 8 de enero de 2013

Subastan imágenes inéditas de los Beatles



Para empezar el año qué mejor que recibir buenas noticias de una de las bandas más icónicas de todos los tiempos: los Beatles. Y es que fotografías jamás publicadas de su primera gira por Estados Unidos serán subastadas en Gran Bretaña.

Fueron tomadas en 1964, cuando las imágenes a color aún eran caras, por lo que la mayoría de sus instantáneas eran a blanco y negro.

Esta colección se compone de 65 diapositivas en las que el cuarteto de Liverpool aparece sobre el escenario, así como primeros planos de la conferencia que ofrecieron en el Hotel Sahara de Las Vegas.

Robert Beck tomó las fotos que incluyen a George Harrison con su legendaria guitarra roja Rickenbacker y se venderán el 22 de marzo, 50 años después de que los Beatles lanzaran su primer disco. 

Esta semana el cine estuvo a todo lo que da. De entrada, se dio a conocer que Jay Z será uno de los encargados de componer la banda sonora de la nueva película de Baz Luhrmann: “El Gran Gatsby”.

Para ello, el rapero contará con la ayuda del compositor Jeymes Samuel, quienes musicalizarán la adaptación de la novela clásica de F. Scott Fitzgerald, ambientada en los años 20 y que se considera un reflejo de la era del jazz en la literatura estadounidense. 

Aunque la noticia causó malestar entre usuarios de redes sociales, no es del todo sorpresiva si se conoce el historial del director australiano, pues le gusta contrastar sonidos con historias y ambientes.

Por ejemplo, en “Moulin Rouge, Amor en Rojo”, cuya historia tiene lugar en 1900, empleó temas de Fatboy Slim, Madonna, Nirvana y David Bowie.

Mientras que en “Romeo + Julieta” musicalizó la tragedia de William Shakespeare con grupos como Radiohead, Garbage y The Cardigans. Ahora, la historia de Jay Gatsby también será modernizada. 

Por otro lado, todos los fans de James Bond quedarán satisfechos al saber que en la 85 entrega de los Premios Óscar se rendirá un homenaje al 007.

Y es que como seguramente recuerdan, en 2012 se celebraron los 50 años de la franquicia cinematográfica más longeva de la historia.

Y finalmente, se dio a conocer que la esperada cinta en que Ashton Kutcher da vida a Steve Jobs, será la encargada de cerrar la 29 edición del Festival Internacional de Cine de Sundance.

La película retomará la vida de Steve Jobs desde 1971 hasta el año 2000.

Twitter: @mabsalinas

lunes, 31 de diciembre de 2012

Mi cóver de A Sort of Fairytale, de Tori Amos


La vida misma es “Una Aventura Extraordinaria”



“Me dijeron que me contaría una historia que me hará creer en Dios”, le dice el personaje de Rafe Spall, un escritor en busca de algo que contar, a un Pi Patel adulto (Irrfan Khan), cuando lo visita en su casa en Canadá.

“Creerás lo que quieras”, le responde el protagonista, quien a continuación le narra lo que no puede más que calificarse como “Una Aventura Extraordinaria” (“Life of Pi”).

El ganador del Óscar Ang Lee regresa detrás de la cámara para llevar a la pantalla grande la adaptación de la novela escrita por Yann Martel, cuya figura es representada en la cinta por el ya mencionado Spall.

El director nos traslada de un tiempo a otro, del presente al pasado, en medio de un ambiente de realismo mágico, para presentarnos al joven Pi (Suraj Sharma). Cuando cruzaba el Océano Pacífico con su familia, el barco en el que también iban los animales del circo de su padre naufraga.

Tras la tragedia, él es el único sobreviviente al aferrarse a una pequeña lancha, a la que también logran llegar una cebra, una hiena, un orangután y, para su sorpresa, un tigre llamado Richard Parker, el animal más feroz del conjunto.

Patel pasa más de 200 días en compañía del tigre, a la deriva, y en medio de una encarnizada lucha consigo mismo y la intemperie para sobrevivir.

Con tres nominaciones a los Globos de Oro (Mejor Película Dramática, Director y Banda Sonora), se trata de una profunda historia de fe a partir de un fervoroso personaje con una rica vida espiritual, la cual le ayuda a superar las inclemencias.

Desde niño Pi muestra inquietud por creer, es un chico con hambre de Dios, al que encuentra a través del budismo, catolicismo e islam y es justamente esta característica tan peculiar la que lo hace un sobreviviente.

Gracias a la narración no lineal, desde un inicio se sabe que el protagonista saldrá avante; sin embargo, eso no impide que el filme —con sus más de dos horas de duración— esté plagado de sorpresas, así como momentos dramáticos, cómicos y conmovedores.

Para lograrlo, la interpretación de Sharma como Pi joven es fundamental, pues no sólo es creíble y realista, incluso ante algunos episodios mágicos, sino también fresca cuando debe serlo. Esto llama la atención aún más cuando la mayor parte de los hechos transcurren en un mismo espacio: el mar, para lo cual el equipo de Lee creó una alberca especial para el rodaje.

Junto a este trabajo destaca la calidad de la animación de cada uno de los animales que desfilan por la pantalla, pero por encima de todos, el coprotagonista: ni más ni menos que Richard Parker. Sus movimientos, expresiones e incluso el brillo de sus ojos es de un realismo apabullante.

A nivel visual la película es igualmente impresionante por la buena composición de las tomas y el espectacular manejo del 3D, que sumerge al público en las situaciones que enfrentan los personajes.

A partir de una historia atractiva, conmovedora y que renueva la fe en uno mismo y en un ser supremo, “Una Aventura Extraordinaria” deja en claro que Dios no pone en el camino pruebas imposibles de superar, y para muestra está la vida de Pi. 

Ganador en Cannes; invitado distinguido en Morelia



Iraní de nacimiento, pero ciudadano del mundo, Abbas Kiarostami pisó por vez primera territorio mexicano para charlar sobre su obra y compartir su cosmovisión del cine y el mundo.

Con el Teatro Rubén Romero de Morelia como telón de fondo, el consagrado cineasta, habló de sus inicios en el séptimo arte, pero abundó particularmente en cuatro proyectos: “Close-Up” (“Nema-ye Nazdik”), de 1990; “El Sabor de las Cerezas” (“Ta'm e Guilass”), de 1997; “ABC África”, de 2001 y “Copia Fiel” (“Copie Conforme”), de 2010.

Tras 20 años de trabajar en filmes para niños, Kiarostami realizó “Close-Up”, documental basado en una historia que leyó en los periódicos sobre un hombre que defrauda a varias familias, por lo que enfrenta un juicio.

“No sabía bien qué iba a filmar; 40 días duró el rodaje y no dormí durante 40 noches”, y es que a diario estaba a la expectativa de que las personas que participaban en el filme se negaran a abrirle la puerta. “Cuando me volvían a abrir era como si fuera la entrada al paraíso”, confesó.

Bromista, sencillo, abierto a compartir sus recuerdos e interesado en interactuar con el público, comentó que durante muchos años consideró a “Close-Up” su mejor filme, porque realmente él no lo hizo. En su opinión, se construyó a partir de los testimonios de los involucrados, quienes incluso imponían sus deseos al director.

Para “El Sabor de las Cerezas”, Kiarostami utilizó a actores no profesionales que halló en distintas partes de Irán. A Homayoun Ershadi, quien interpreta a Badii, lo encontró en un semáforo, así que el cineasta le tocó a la ventana de su automóvil y lo invitó a formar parte de su película.

“Busqué por mucho tiempo para encontrar personas que realmente se parecieran a los personajes”, incluso al del señor Bagheri lo buscó por cerca de un año, hasta que lo encontró en unas colinas iraníes. 

Él es interpretado por Abdolrahman Bagheri, quien para filmar la película le pedía a Kiarostami que le leyera el guión y si no estaba dispuesto a decir algún diálogo, se lo hacía saber al realizador de talla mundial.

Kiarostami agregó que este par de “actores” nunca se conocieron y que la emblemática escena en que ambos sostienen una conversación al interior de un automóvil la rodó por separado.

Esta cinta se centra un hombre iraní que maneja un camión en busca de alguien que lo entierre pacíficamente bajo un árbol de cerezas tras su muerte.

“Copia Fiel” fue un asunto a parte, en ella combinó la presencia de una actriz de renombre como Juliette Binoche con el poco experimentado William Shimell. Esta fue la primera cinta de ficción que filmó fuera de Irán.

Cuenta la historia de un escritor inglés que conoce a una francesa en Toscana, en donde se revelarán aspectos más profundos de sus vidas. 

El ganador de la Palma de Oro de Cannes por “El Sabor de las Cerezas”, fue uno de los invitados de honor de la edición número 10 del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), en donde también fue galardonado con la medalla de la Filmoteca de la UNAM por parte de su directora, Guadalupe Ferrer.

Keane, del miedo a una "Strangeland"



Una pizca de juventud y silencios; de caminos, lluvia que empapa mitos y otra más de extrañeza es lo que ofrece la banda británica, Keane, en su cuarto material discográfico: “Strangeland”.

El vocalista Tom Chaplin, el tecladista Tim Rice-Oxley y el baterista Richard Hughes conquistaron al mundo este año, pero acompañados por el nuevo miembro de la agrupación: el bajista Jesse Quin.

A diferencia de su apuesta inicial “Hopes and Fears”, álbum que inició su carrera, a través de “Strangeland” retoman su sonido marcado por el piano y la percusión, pero también incursionan mezclas sonoras y, obviamente, el bajo; elementos que se combinan a lo largo de los 16 tracks que componen la edición de lujo.

Sutilezas, melancolía y esperanza son palabras clave en el álbum con el que la banda de Battle, East Sussex buscó volver a impulsar la composición lírica de sus canciones, en la que hablan de temas como el miedo y la juventud en “You Are Young”.

Por su parte, la juguetona “The Boys”, que aporta un sonido ajeno a su trayectoria; la empática “Sovereign Light Café”, primer tema compuesto para el disco y que surgió durante la gira de 2009 en un trayecto del aeropuerto de Sao Paulo al hotel en que se hospedaban, son algunas de las canciones rítmicas del álbum.

Pero además de los cortes “up beat” regresan a sus raíces con baladas introspectivas y sensibles como “Watch you go” y “The Starting Line” o melancólicas y bien interpretadas como “Myth”.

Además de éstas, destacan los dos primeros sencillos del álbum: “Silenced by the Night” y “Dissconected”, que contribuyeron a que el disco se colocara en el top de las listas de popularidad de Gran Bretaña; al igual que la esperanzadora “Neon River”.

Después de un camino que inició hace ocho años gracias a “Hopes and Fears”, Keane prosiguió su andar en la música británica con “Under the Iron Sea” (2006) y “Perfect Symmetry”, para ahora retomar por entero su autenticidad y extrañeza con un honesto y tranquilo álbum.

Tomaron su tiempo para componerlo, recordaron su infancia y momentos que han marcado su vida y, a nivel musical, regresaron a esa combinación entre pop y rock que ya comenzó a rendir frutos.

sábado, 27 de octubre de 2012

Elemental, ¿mi querida Watson?



“Elemental, mi querido Watson”, las excentricidades y el talento de Sherlock Holmes parecen seguir atrayendo a las nuevas generaciones, a pesar de que el personaje fue creado hace un siglo —en 1877 exactamente— por Sir Arthur Conan Doyle.

Sólo era cuestión de tiempo para que semejante personaje llegara a la televisión; sin embargo, tiene más de un as bajo la manga.

La serie en cuestión es “Elementary”, una de las cinco grandes apuestas que Universal Channel traerá a la televisión próximamente y que tiene tres grandes diferencias en comparación con la versión victoriana de Holmes con la que estamos familiarizados.

La primera es que el protagonista no vive más en el mítico Londres, sino que ha cruzado el océano Atlántico para instalarse en la Gran Manzana. La segunda es que la acción está situada en la época actual, por lo que es incluso más moderna que el proyecto cinematográfico y, la tercera, que es Watson sigue siendo doctor, pero ya no un hombre. ¡Es mujer!

Jonny Lee Miller interpreta a Holmes, un drogadicto en recuperación que sale del recinto en donde estaba confinado, con la condición de que permanezca bajo el cuidado de alguien que le ayude a mantenerse desintoxicado y que fue contratado por su acaudalado padre.

Y sí, seguramente como ya se imaginan, la ex cirujana Joan Watson, a quien Lucy Liu encarna, será el legendario compinche del detective. Tras dejar la cirugía, ahora se dedica a evitar que adictos recaigan, y su más reciente encomienda es Holmes, quien, por cierto, tiene sus propios planes para andar por el buen camino.

Como ex consultor en Scotland Yard, ahora prestará sus facultades de investigación para resolver los crímenes que aquejan Nueva York. Así que en el episodio piloto, Holmes y la novata Watson se medirán ante el allanamiento a una casa que pudo o no haber culminado en el asesinato de su dueña.

Con momentos de comedia y drama, paulatinamente el capítulo presenta a la dupla protagónica, sus intereses miedos, obsesiones y el tipo de relación que se desarrollará entre ellos, todo lo cual ocurre en el marco de una fotografía oscura que añade misterio al programa, pero también es una prueba de lo mórbidos que pueden llegar a ser los casos.

Al igual que otras series sobre resolución de crímenes o de tipo policiaco, cuenta con escenas violentas.

Creada por Robert Doherty y también con las actuaciones de Aaidan Quinn y Jon Michael Hill como un par de detectives neoyorquinos, se estrenará el 25 de octubre a las 22:00 horas por Universal Channel.

Promete mostrar a un Holmes y una Watson con buena química, pero con una dinámica inaudita y poco elemental.

Pedro Infante y Agustín Lara “reviven”



Hola a todos, les cuento cuento breves del espectáculo. 

Comienzo con música. Pedro Infante es inmortal y su voz estará de regreso a través de un disco inédito, en vivo y que se grabó durante el último concierto que ofreció en Lima, Perú, antes de morir en un accidente aéreo. 

Según la hija del ídolo, Lupita Infante Torrentera, en 2006 le avisaron desde Lima que tenían el audio íntegro del evento y en el que se escucha a su padre interpretar, platicar con el público y los mariachis que lo acompañaban. 

Como se trata de un audio de 1957, en la disquera EMI tardaron cuatro años en remasterizarlo y limpiarlo de impurezas, pero está próximo a darse a conocer.

Acompañando a este álbum inédito se lanzará otro más en homenaje a Infante, en el que participan Lila Downs, Lucero, Pepe Aguilar, Edith Márquez, Raphael, Moderatto, Aleks Syntek, Mijares y más.

Quien también será homenajeado este mes será Agustín Lara en un concierto con Eugenia León, Natalia Lafourcade y el barítono José Adán Pérez. 

Los tres intérpretes cantarán un repertorio variado, pero será conducido por el mismo Flaco de Oro, como se conocía a Lara. Gracias a una participación virtual, el homenajeado contará anécdotas y explicará en qué se basó para escribir algunas canciones.

Con el nombre Solamente una Vez, el evento tendrá lugar el 31 de octubre a las 20:00 horas en el Teatro de la Ciudad y los boletos oscilarán entre los 200 y 850 pesos.

Por otro lado, grandes artistas como Paul McCartney, fun., Rufus Wainwright y The Shins, formarán parte de un álbum navideño llamado “Holidays Rule”. 

Este CD saldrá a la venta el 30 de octubre y se compone de 17 canciones, de las cuales McCarthey interpretará “The Christmas Song (Chestnuts Roasting on an Open Fire)".

Entre otros de los temas que incluirá se encuentran "Sleigh Ride" tocado por fun., "Wonderful Christmas Time" por The Shins, "Baby, It's Cold Outside" por Rufus Wainwright y "What Are You Doing New Year's Eve?" por The Head and the Heart.

Lo curioso de este disco es que combina distintos géneros musicales, como pop alternativo, folk, electrónica, country, gospel, rock y más.

Y finalmente, en teatro, María Rojo regresa a los escenarios tras 20 años de ausencia, pues la veremos protagonizar “El Chofer y la Señora Daisy”, que se estrenará el 26 de octubre en el teatro Rafael Solana. 

En la conocida obra, la actriz interpretará a una anciana que tiene problemas con su hijo, interpretado por Ari Telch, así como una atípica amistad con su chofer, quien correrá a cargo de Salvador Sánchez.

La obra se presentará de viernes a domingo a las 18:00 y 20:30 horas.

domingo, 7 de octubre de 2012

Cover de I Don't Know What to Do de Pete Yorn y Scarlett Johansson


Creo que definitivamente quedaría mucho mejor con alguien con quien hacer el dueto como en la canción original, y obvio un piano o teclado, en fin... se hace lo que se puede. ¡Abajo está la buena!


Drácula regresa ¡como papá!



Nombres como Drácula, Frankenstein, la Momia o el Hombre Lobo son conocidos como algunos de los monstruos clásicos del cine; han asustado a muchos por generaciones, pero ahora están de regreso para hacer reír a toda la familia.

Llegó a las salas nacionales la animación “Hotel Transylvania” en donde vemos a Drácula convertido en el administrador de un hotel pero también como un padre de familia que está a punto de celebrar los 118 años de su hija Mavis.

Por ello, invita a sus monstruosos amigos a una fiesta para que se relajen del “acoso” de los humanos. El vampiro aún recuerda que fue perseguido con antorchas y como el padre preocupado que es ha impedido que su hija salga al mundo.

Sin embargo, cuando un humano llega al hotel y se enamora de Mavis, la vida del obsesivo y controlador Drácula se vuelve caótica.

Animada por computadora y a estrenarse en 3D, la película es el debut en la silla del director Genndy Tartakovsky, 13 veces nominado a los Emmy, y quien fue seleccionado por George Lucas para crear la serie “Star Wars: Clone Wars”.

Para él, “‘Hotel Transylvania’ es una historia acerca de un padre y su hija, sólo que el padre es Drácula. Como todos los padres, es un tipo sobreprotector, psicótico y entrañable que haría cualquier cosa por su hija, pero a diferencia de otros, él es el Príncipe de la Oscuridad”.

En ese sentido, Michelle Murdocca, productora de la cinta consideró que el filme aprovecha una dificultad a la que se enfrentan los padres de familia cuando deben dejar que sus hijos salgan al mundo.

“No puedes protegerlos siempre, debes confiar en que podrán cuidarse solos. Pero resulta que incluso Drácula piensa que el mundo puede ser un lugar espeluznante a veces”, afirmó.

Sin embargo, en esta historia él no es el único que se enfrentará a los problemas de ser cabeza de familia, ya que Frankenstein aparece como esposo y como el “tío” preferido de Mavis; mientras que el hombre lobo Wayne es el papá de ¡más de 50 lobeznos!

Como una de las consignas de Sony Pictures Animation, empresa encargada de la producción del filme, es que se distinguiera de las animaciones realizadas por otros estudios, su director apostó a distanciarse se la realidad.

Fue así que Tartakovsky y su equipo exageraron los rasgos faciales y las proporciones de los personajes para hacerlos más graciosos y originales.

“Lo que hicimos fue tomar estos personajes icónicos y remodelarlos. Debíamos respetar a los personajes, pero queríamos una cinta de monstruos divertida, no terrorífica, queríamos hacer comedia, no dar sustos. Sólo que nuestros principales personajes son monstruos”, explicó el director.

Aunque la cinta cuenta con una clasificación AA en México, en Estados Unidos fue clasificada como PG, equivalente a A, porque contiene cierto humor sarcástico e imágenes tenebrosas. Un detalle a considerar.